INDOCHINA

Indochina es una película francesa dirigida por Régis Wagner y estrenada el 15 de abril de 1992, protagonizada por Catherine Deneuve, Jean Yanne, Vincent Perez y Lihn Dan Pham.
Argumento
Eliane Devries (Catherine Deneuve) nació en Indochina y jamás vio Francia. Heredó una plantación de caucho que aprendió a dirigir con firmeza. Cuando dos de sus mejores amigos murieron, decidió hacerse cargo de su hija, Camille (Lihn Dan Pham). Ésta heredó las tierras de sus padres, con lo que la plantación fue ampliada.
La existencia de ambas mujeres se ve trastornada cuando los comunistas deciden revelarse contra Francia.
Llega un joven marinero, Jean-Baptiste (Vincent Perez) del que Eliane, como ya había sucedido con otros hombres, se enamora, pero lo mismo le ocurre a Camille cuando es salvada por él.
Camille se casa con Thanh (Eric Nguyen), hijo, con ideas comunistas, de una aristócrata amiga de Eliane. Tras comenzar el matrimonio, Camille emprende un viaje en búsqueda de Jean-Baptiste y es capturada por los franceses. Su "amante" trata de liberarla, pero unos policías y miembros de la marina quieren evitarlo. En el mismo instante, Camille descubre que han matado a una amiga Indochina y dispara sobre la frente de uno de los jefes. Logra huir junto con Jean-Baptiste y son encontrados por una compañía de teatro.
Mientras, Eliane pide a un antiguo amigo suyo y pretendiente jefe de policía, llamado Guy Asselin (Jean Yanne) que encuentre a su hija adoptiva, siendo constantemente interrumpida e insultada por su ex-criada Yvette (Dominique Blanc).
Eliane y Jean-Baptiste tienen un hijo varón. Viajan hacia la libertad pero, ambos, en distintos momentos de la película, son apresados. En el caso de Jean-Baptiste, junto con el recién nacido, que será alimentado por distintas mujeres.
Las compañías de teatro, que siempre se habían mostrado neutrales, sucumben ante la ola comunista y son detenidos por los franceses, pero no antes de haber divulgado la historia de Eliane y Jean-Baptiste por toda la colonia.
Jean-Baptiste envía el bebé a Eliane y, más tarde, cuando se le concede un día de libertad, les visita. Eliane lo encuentra junto a su hijo con un agujero de bala en la sien y un revólver en el pecho. Acude a Guy y, convencida de que no ha podido tratarse de suicidio le pregunta si lo ha asesinado. Yvette confiesa que se ha tratado de los comunistas, a los que el fallecido había "traicionado".
Cinco años después Eliane acude a la liberación de Camille. Ésta le dice que no desea volver y le pide que venda la plantación y se instale en Francia. A continuación dice <>.
La historia es contada por Eliane al hijo de Camille y Jean-Baptiste en un barco con rumbo a Génova 24 años después (1954). Al final de la película llegan a la ciudad, en la que la señora Devries señala un hotel donde está alojada Camille. El joven la visita y, más tarde, le dice a Eliane que ella le ha criado, por lo que es su única madre.
Personajes principales
Eliane Devries, interpretada por Catherine Deneuve, mujer francesa firme, heredera de una plantación de caucho en Indochina.
Guy Asselin, interpretado por Jean Yanne, jefe de policía de la colonia francesa y pretendiente de Eliane.
Jean-Baptiste Le Guen, interpretado por Vincent Perez, joven marinero francés.
Camille, interpretada por Lihn Dan Pham, hija adoptiva nativa de Eliane.
Yvette, interpretada por Dominique Blanc, mujer al servivio de Eliane.
Thanh, interpretado por Eric Nguyen, nativo revolucionario, hijo de unos amigos de Eliane y esposo de Camille.

LA FIERA DE MI NIÑA

Bringing Up Baby
Título La adorable revoltosa / La fiera de mi niña
Ficha técnica
Dirección Howard Hawks
Producción Cliff Reid, Howard Hawks
Guión Dudley Nichols, Hagar Wilde
Música Roy Webb, Jimmy McHugh
Reparto Cary Grant, Katharine Hepburn
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1938
Género Comedia
Duración 102 min
Bringing up Baby, conocido en castellano como La adorable revoltosa (Argentina) y La fiera de mi niña (España), es una comedia estadounidense de 1938, dirigida por Howard Hawks, y con la participación estelar de Katharine Hepburn y Cary Grant. El guión fue adaptado por Dudley Nichols y Hagar Wilde a partir de una historia de Hagar Wilde.
Argumento
David Huxley (Cary Grant) es un paleontólogo de vida pacífica, cuya mayor preocupación es terminar de ensamblar el esqueleto de un Brontosaurus al que le falta un hueso (una "clavícula intercostal"). Está a punto de casarse con una mujer de personalidad rígida y, por otra parte, tiene que dar una buena impresión a Mrs. Random, una adinerada mujer que está planteándose hacer una generosa donación de un millón de dólares a su museo. Sin embargo, el día anterior a su boda, David conoce a Susan Vance (Katharine Hepburn), una joven alocada que resulta ser la sobrina de Mrs. Random.
El hermano de Susan, Mark, le ha enviado desde Brasil un leopardo amaestrado llamado "Baby", para que ella se lo entregue a su vez a su tía. Susan confunde a David con un zoólogo, y prácticamente lo obliga para que la acompañe a su casa del campo para hacerse cargo de Baby. La situación se complica aún más cuando Susan comprende que se ha enamorado de David, y decide retenerlo en la casa el mayor tiempo posible para evitar que se case. Además, el perro de Susan, George, roba y entierra el último hueso de Brontosaurio de David; la tía de Susan (Mrs. Random) llega a la casa y no reconoce a David como paleontólogo del museo (sobre todo porque Susan se lo presenta como "el señor Hueso"); Baby y George se escapan, y David deja suelto por error a otro leopardo, éste salvaje, de un circo cercano, confundiéndolo con Baby. Susan y David intentan encontrar a Baby, a George y al hueso de dinosaurio, asegurándose al mismo tiempo de que Mrs. Random haga su donación al museo.
Repercusión [editar]Bringing Up Baby fue un fracaso rotundo de taquilla, lo que provocó que Howard Hawks fuera apartado de la dirección de la que iba a ser su siguiente película (Gunga Din, también con Cary Grant), y obligó a Hepburn a pagar su parte del contrato. Sin embargo, a medida que pasaron los años, la película obtuvo cada vez más atención, hasta convertirse en un clásico de la comedia. En la lista de las cien mejores películas confeccionada por el American Film Institute en 1997, Bringing Up Baby ocupó el puesto 96.

MEDITERRÁNEO

Año de producción: 1991
Dirección: Gabriele Salvatores.
Intérpretes: Diego Abatantuono, Claudio Bigagli, Giuseppe Cederna, Claudio Bisio, Gigio Alberti, Ugo Conti, Vanna Barba, Irene Grazioli.
Guión: Enzo Monteleone.
Duración: 96 min.
Público apropiado: Jóvenes.
Género: Drama.

En plena 2ª Guerra Mundial, unos soldados desembarcan en una islita griega. Su misión es conocerla y vigilarla para fines estratégicos. Allí descubren que sólo viven mujeres, ancianos y niños. Los ocho soldados empiezan a integrarse y vivir en la comunidad como ciudadanos, no como soldados. Entre amistades y amoríos, pronto darán rienda suelta a sus deseos olvidándose, incluso, de la guerra.
El film recibió el Oscar a la mejor película extranjera en 1992, lo que hizo resurgir al director Gabriele Salvatores. Muy recomendable.

NO ES TAN FÁCIL

RepartoMeryl Streep, Steve Martin, Alec Baldwin, Daryl Sabara
DirectorNancy Meyers
ProductorScott Rudin, Nancy Meyers
Duración01:58:00
Estrenoviernes 25 diciembre 2009
GéneroComedia
PaísEE.UU.
DistribuidoraUniversal.

Sinopsis

Jane (Meryl Streep), madre de tres hijos mayores, tiene un negocio de panadería/restaurante que funciona francamente bien en Santa Bárbara. Lleva diez años divorciada y tiene una relación amigable con su ex marido, el abogado Jake (Alec Baldwin). Pero todo se complica cuando Jane y Jake se desplazan fuera de la ciudad para asistir a la ceremonia de graduación universitaria de su hijo. Una cena inocente acaba de un modo inimaginable: una aventura amorosa. Jake se ha vuelto a casar con Agness (Lake Bell), una mujer mucho más joven, y Jane es ahora "la otra".
Adam (Steve Martin), el arquitecto al que Jane ha contratado para remodelar la cocina, se ve atrapado en medio de este renacido romance. Está en pleno proceso de divorcio y le gusta Jane, pero no tarda en descubrir que forma parte de un triángulo amoroso.
¿Deben Jane y Jake seguir con sus vidas? ¿De verdad el amor funciona mejor la segunda vez? Qué complicación.

HOTEL RWANDA

Dirección: Terry George.
Países: Reino Unido, Sudáfrica, USA e Italia.
Año: 2004.
Duración: 121 min.
Género: Drama.
Interpretación: Don Cheadle (Paul Rusesabagina), Sophie Okonedo (Tatiana), Nick Nolte (Coronel Oliver), Joaquin Phoenix (Jack), Desmond Dube (Dube), David O'Hara (David), Cara Seymour (Pat Archer), Fana Mokoena (General Augustin Bizimungo), Hakeem Kae-Kazim (George), Tony Kgoroge (Gregoire), Ofentse Modiselle (Roger).
Guión: Keir Pearson y Terry George.
Producción: A. Kitman Ho y Terry George.
Música: Andrea Guerra, Rupert Gregson-Williams y Afro Celt Sound System.
Fotografía: Robert Fraisse.
Montaje: Naomi Geraghty.
Diseño de producción: Tony Burrough y Johnny Breedt.
Dirección artística: Emma MacDevitt.
Vestuario: Ruy Filipe.
Estreno en USA: 22 Diciembre 2004.
Estreno en España: 25 Febrero 2005.
SINOPSIS
A unas horas de la firma de un convenio de paz entre hutus y tutsis –respaldado por la ONU– en el Hotel Mille Collines (Kigali, Ruanda), que regen-ta Paul Rusesabagina (Don Cheadle), pequeños acontecimientos empiezan a perturbar la cotidia-neidad del país. Soldados hutus instigan por radio a "erradicar la inva-sión asesina de los tutsis". Paul Rusesabagina es hutu y director del hotel Mille Collines, propiedad de las aerolíneas belgas Sabena. Res-petado por su generosidad, su carisma y los contactos que tiene, se ve involucrado en el transcurso de los acontecimientos cuando amena-zan a su mujer tutsi (Sophie Okonedo), a sus hijos y vecinos con la muerte y logra sortear los primeros obstáculos mediante el soborno, con la esperanza de que las fuerzas internacionales lleguen en cual-quier momento para evitar la guerra civil. Sin embargo, la situación se recrudece. Tras el asesinato del presidente ruandés, comienzan las matanzas indiscriminadas de tutsis a manos de los soldados y ciuda-danos hutus. Paul logra proteger a los suyos en el hotel, al que empie-zan a llegar miles de personas pidiendo auxilio. Mientras un joven cá-mara, reportero de la BBC (Joaquin Phoenix), asiste al espectáculo dantesco y Paul hace uso de todos los recursos y sobornos posibles para mantener con vida a los tutsis refugiados en el hotel, las fuerzas internacionales llegan a Ruanda pero sólo para evacuar a los ciuda-danos blancos y devolverlos a sus países de origen y con órdenes de no intervención. Paul, armado de coraje, con la ayuda del coronel Oli-ver (Nick Nolte) de la ONU (defraudado por el comportamiento interna-cional), logrará cobijar y proteger primero, y salvar después, la vida de miles de personas que confiaron en él. Se compromete consigo mis-mo para proteger a su mujer tutsi, Tatiana, a sus hijos y a los 1200 ve-cinos tutsis que, atemorizados y amenazados, llegan al hotel pidiendo auxilio y protección, cuando las fuerzas internacionales no ofrecen in-tervención ni ayuda a los perseguidos.

SIN NOMBRE

Sin Nombre es un thriller épico dramático del director premiado Cary Fukunaga.Buscando el sueño americano, una hermosa hondureña joven, Sayra (Paulina Gaitan), se reune con su padre y su tío en una odesea de cruzar por baquetas el paisaje latinoamericano hacia los Estados Unidos. A lo largo del camino, se encuentra con un joven mexicano miembro de una pandilla armada, El Casper (Edgar M. Flores), quién intenta escapar su pasado violente y eludir sus implacables socios. Juntos deberán tener fe, confianza, y ser avispados callejeros si quieren sobrevivir al cada vez mas peligroso viaje con la esperanza de una nueva vida.

PRINCESAS

Fernando León de Aranoa
Carlos Bardem, Alejandra Llorente, Enrique Villén, Alberto Ferreiro, Pepa Aniorte, Pere Arquillué
España
1 hora 53 minutos
Esta es la historia de dos mujeres, de dos putas, de dos princesas. Una de ellas se llama Caye, tiene casi treinta años, el flequillo de peluquería y un atractivo discutible, de barrio. Zulema es una princesa desterrada, dulce y oscura, que vive a diario el exilio forzoso de la desesperación. Cuando se conocen están en lugares diferentes, casi enfrentados: son muchas las chicas aquí que ven con recelo la llegada de inmigrantes a la prostitución. Caye y Zulema no tardan en comprender que, aunque a cierta distancia, las dos caminan por la misma cuerda floja. De su complicidad nace esta historia. Su imprevista amistad les dará a las dos un refugio temporal, una habitación soleada, compartida, en la que sentarse a conversar con desacostumbrada ternura y reírse, ajenas a todo, tranquilas; como si afuera hubieran dejado hoy la culpa y los pasos en falso; como si el tiempo aquí, por verlas mejor, pasara más despacio junto a ellas.

EL PATIO DE MI CARCEL

“El patio de mi cárcel” es una historia de mujeres. Mujeres presas, excluidas. Es la historia de Isa (Verónica Echegui), una atracadora, ácida y generosa, incapaz de adaptarse a la vida fuera de la cárcel. Y de su grupo de amigas: Dolores (Ana Wagener), una gitana rubia que ha matado al marido; Rosa (Violeta Pérez), una frágil y tierna prostituta; Ajo (Natalia Mateo), una chica enamorada de Pilar (Ledicia Sola) que vivirá su amor hasta el límite de lo soportable; Luisa (Tatiana Astengo), una cándida colombiana sorprendida por un entorno que no comprende… La llegada de Mar (Candela Peña), una funcionaria de prisiones que no se adapta a las normas de la institución, supondrá para esas mujeres el inicio de un vuelo hacia la libertad. Con la ayuda de Adela (Blanca Portillo), la directora de la prisión, crearán Módulo 4, el grupo de teatro que las llenará de fuerza para encarar el “mal bajío” con el que llegaron al mundo.

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI

(titulo original Das Cabinet des Dr. Caligari) es una película muda de 1920 dirigida por Robert Wiene, considerada la pionera del cine expresionista alemán. Su productora es Decla. Fue una de las primeras películas producidas en los estudios alemanes UFA.
El productor, Erich Pommer, de la Decla-Bioscop, quería que fuera Fritz Lang quien dirigiera la película, pero Lang tenía otros compromisos en ese momento, de modo que acabó siendo Wiene quien la dirigió.
Narra los crímenes que cometía el sonámbulo Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, quien lo exhibía en ferias de ciudades alemanas. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra: para ellos, Caligari inducía a un sonámbulo a cometer asesinatos del mismo modo que el Estado alemán inducía a un pueblo dormido a perpetrar crímenes, que de hecho se consumarían una década después, en la II Guerra Mundial. El guión original de la película, de Hans Janowitz y Carl Mayer, fue modificado y Wiene, seguramente presionado por la productora y ésta por las autoridades alemanas, añadió una escena inicial y otra final que trastocaban el sentido de la historia, quedando convertida en el relato de un loco.
La cinta es considerada como el primer film expresionista de la historia, y destacan los decorados distorsionados que crean una atmósfera amenazante. Los responsables de la escenografía fueron Walter Rörig, Walter Reimann y Hermann Warm, miembros del grupo Strum. El expresionismo fue una edad dorada del cine, en donde los mayores representantes fueron: Fritz Lang, George Wilhelm Pabst y F.W. Murnau, Paul Wegener.
La película se caracteriza por la estilización de los decorados (retorcidos y con ángulos imposibles), la forma exagerada de actuar y el coloreado posterior de las escenas, dejándolas en tonos azules, sepia o verdes. Hay también un curioso uso de máscaras para hacer fundidos en negro progresivos, dejando destacada una parte de la acción.
Los decorados están distorsionados, ya que se representan como si fueran una maqueta o cartones pintados superpuestos para crear ilusiones. De esta manera se genera una sensación de angustia y de opresión casi constantes; nos encontramos ante un mundo puntiagudo y lleno de angulos, constantemente amenazador. Se enfatizan sombras oscuras y contrastes, como en su comienzo, al aparecer la chica que resalta del fondo. Se nota que hay un uso de luces artificiales. El expresionismo influiría luego, por ejemplo a Hitchcock.
Aunque la película es a menudo considerada una crítica contra el totalitarismo alemán, el final puede ser interpretado también como una oda al poder y la autoridad en contraposición a la anarquía y la locura.

PERFUME DE MUJER

Dos oficiales de Turín sufren un accidente durante unas maniobras. Fausto, el protagonista, pierde la vista y una mano, y su compañero queda también ciego. Como consecuencia, viven una existencia triste y depresiva. Fausto vive medio alcoholizado bajo los cuidados de una anciana tía y un joven ayudante. Cansados de su vida deciden terminar con ella, pero Sara, una hermosa mujer, se interpone en su propósito con la intención de conseguir el amor de Fausto. Su fuerte temperamento ofrece a Fausto una nueva oportunidad de vivir, en la que la aceptación de su existencia y la ayuda mútua conseguirá hacer frente a las adversidades.

Curiosidades
Para obligar a Charlie a que salga del hotel, Slade le pide que le compre algunas aspirinas y un Montecristo, un producto cubano escaso en Estados Unidos debido al embargo económico.
Al Pacino tomó clases de tango en el DanceSport, una escuela de danzas en Manhattan.
El nombre de la chica con la que Slade baila el tango es Donna, palabra italiana que significa mujer.
Durante su preparación para caracterizar al personaje del Teniente Coronel, Al Pacino asistió a una escuela para ciegos

El paciente inglés

Año 1996
Género

Romance, Drama, Guerra
El paciente inglés es una película de cine británica de 1996 dirigida por Anthony Minghella. Está basada en la novela del mismo título de Michael Ondaatje y ambientada durante la Segunda Guerra Mundial.
Fue la película más ganadora en la gala de los Premios Oscar de 1996 con un total 9 estatuillas de 12 candidaturas.
Argumento
Un hombre sin ningún pasado se encuentra en un centro de recuperación de veteranos. Las fuerzas aliadas proceden a trasladar a los pacientes y en el recorrido la caravana es interceptada por un campo minado, provocando en Hanna (Juliette Binoche) una enfermera de apoyo, una profunda tristeza y un sentimiento autodestructivo revuelto con su pasado de no saber cuál era el sentido de su vida.
Hanna decide quedarse en un monasterio abandonado de un pueblo italiano cuidando a este paciente de origen desconocido, el cual sufría de quemaduras por todo el cuerpo encontrándose en un estado terminal; para el sólo sus dosis de morfina lo mantenían alejado del dolor extremo. Al mismo tiempo en que Hanna y su paciente se instalaban en el monasterio, el escuadrón de zapadores (desactivadores de bombas y minas dejadas por los nazis) entre los cuales se encontraba un zapador de origen sij llamado Kip (Naveen Andrews) se quedan en tiendas en el mismo lugar desactivando minas en esa localidad. La historia gira en este tridente de personalidades e historias divididas de estas personas que lo único que tienen en común es la guerra y para los cuales sus vivencias se desenvolvieron en circunstancias y tiempos diferentes, girando en torno al trágico pasado de este paciente, el conde László Almásy (Ralph Fiennes), que a través de la historia revela cómo su vida en un país lejano sirviendo a la Real Academia de Geografía lo lleva a enamorarse de Katharine Clifton (Kristin Scott Thomas). Ésta es una historia de amor inimaginable, la cual supera las barreras de la entrega misma de la vida y el dolor de un amor casi imposible.
Conmovedora historia de una joven enfermera que al asistir a una víctima de un accidente de avión descubre mediante flash backs la realidad que se esconde detrás del misterioso hombre.

Canción de Navidad o Un cuento de Navidad (A Christmas Carol en el original inglés) es una novela corta de carácter realista-gótico,escrita por el británico Charles Dickens en 1843. En ella se habla de cómo una persona huraña puede cambiar su actitud en Navidad.
La obra
El protagonista es Ebenezer Scrooge, una persona avara y tacaña que no celebra la fiesta de Navidad a causa de su solitaria vida y su adicción al trabajo. No le importan los demás, ni siquiera su abnegado empleado Bob Cratchit, sólo se importa a sí mismo.

Un día, en su casa, Scrooge recibe la visita de un espíritu misterioso que resulta ser el de su mejor amigo y socio Jacob Marley, que al iniciar el relato muere y posteriormente, le anuncia una tenebrosa profecía acerca del futuro del avaro y la llegada de los tres espíritus de la navidad. Scrooge no se asusta y desafía la predicción.

Con el tiempo aparecen los tres espíritus navideños: el del Pasado, que le hace recordar a Scrooge su vida infantil y juvenil llena de melancolía y añoranza antes de su adicción por el trabajo; así como por su desmedido afán de enriquecerse.

El del Presente hace ver al avaro la actual situación de la familia de su empleado Bob Cratchit, que a pesar de su pobreza y de la enfermedad de su hijo Tim, celebra la navidad.

Luego el Espíritu le muestra cómo todas las personas celebran la Navidad; incluso el sobrino de Scrooge, Fred, celebra la Navidad de una manera irónica pero alegre (debido a que los invitados no quieren la presencia del avaro). Al final el espíritu muestra a un par de niños de origen trágicamente humano: la Ignorancia y la Necesidad; posteriormente el espíritu desaparece inmediatamente a la medianoche.

El Espíritu del Futuro, mudo y de carácter sombrío, le muestra lo más desgarrador: el destino de los avaros: su casa saqueada por los pobres, el recuerdo sobrio de sus amigos de la Bolsa de Valores, la muerte de Tim Cratchit y lo más espantoso: su propia tumba, ante la cual Scrooge se horroriza finalmente e intenta convencer al espíritu de que está dispuesto a cambiar si le invierte el destino. Al final, el avaro despierta de su pesadilla y se convierte en un hombre generoso y amable.

El cambio lo vive el propio Scrooge cuando finalmente celebra la Navidad, hace que un jovenzuelo le compre el pavo y lo envíe para su empleado Cratchit sin dar a conocer quién lo mandó. Posteriormente sale a la calle para saludar a la gente con una Feliz Navidad y entra en casa de su sobrino Fred para festejar, causando asombro entre los invitados. Con respecto a Cratchit, finge reprenderlo por su llegada tarde al trabajo; le da un aumento de sueldo y va con él para ayudar a la familia y en especial a Tim en su tratamiento de la enfermedad, lo que al final causa felicidad en ellos haciendo memorable la frase del pequeño Tiny Tim: Y que Dios nos bendiga a todos.
Inspiración
Para escribir la obra, Dickens se basó en la realidad denigrante del Reino Unido durante la revolución industrial en el siglo XIX: el maltrato de los niños y jóvenes que trabajaban y estudiaban en las condiciones más crueles en la sociedad proletaria; para ello, leyó informes del parlamento británico sobre las condiciones de miseria en los menores de edad.

Dickens abogaba por una actitud más benévola y caritativa con los niños, pues las condiciones de la era victoriana les eran adversas como la prostitución, la mendicidad, el trato a los obreros y el aumento de la población a consecuencia de la industrialización del país y el colonialismo británico en el mundo.

En la parte literaria, Dickens escribió una obra similar a Cuentos de Navidad: Los papeles póstumos del Club Pickwick; publicada en diciembre de 1839.

CHOCOLAT

Chocolat es una coproducción entre el Reino Unido y Estados Unidos, basada en la novela del mismo título de Joanne Harris. Con el fin de prepararse para su papel, Juliette Binoche estuvo unos días en una confitería de París, aprendiendo a preparar dulces de chocolate.

Argumento
Vianne Rocher (Juliette Binoche) se traslada con su pequeña hija a un pueblo de la Francia rural. Allí abre una tienda en la que vende deliciosos chocolates. Sin embargo, los habitantes del pueblo la reciben con escepticismo. Por su parte, el alcalde también es reticente respecto a este tipo de tienda, al que la gente del pueblo no está acostumbrada. Pero Vianne es una mujer con un encanto especial, y poco a poco se va ganando la simpatía y amistad de los vecinos e incluso del alcalde.

Premios
La película obtuvo cinco nominaciones a los Oscar en las categorías de mejor película, mejor actriz principal (Juliette Binoche), mejor actriz de reparto (Judi Dench), mejor guión adaptado, y mejor música.

Persépolis

Persépolis es una película de animación basada en la novela gráfica homónima de Marjane Satrapi dirigida por Vincent Paronnaud y producida por Xavier Rigault y Marc-Antoine Robert. La película, con música de Olivier Bernet, obtuvo una candidatura a la Palma de Oro y consiguió el Premio del jurado en el Festival de Cannes 2007. También consiguió el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine Cinemanila. Fue seleccionada para ser la película inaugural del festival de cine de Valladolid (España).

Sinopsis

Marjane es una niña que vive en el Irán de los años 1970, en una familia occidentalizada. Durante esta época temprana el régimen del sah y los abusos de poder del mismo dan para que Marjane tenga contacto con ideas políticas de izquierda. Posteriormente en la caída del Sah, llega la revolución que hace que aparezca otra historia y otro cambio en la vida de Marjane y en general de todo Irán. Esta historia comienza cuando los fundamentalistas toman el poder de manera autoritaria y surge la llamada Revolución Islámica, obligando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas, mientras tanto Marjane teniendo conciencia sobre el mundo occidental (llámese el punk, Michael Jackson, etc.) pero aún sufriendo el terror de la persecución en su país. Cuando alcanza la adolescencia, es enviada a un liceo francés, y se convierte en testigo de los avatares históricos del país en esos años; mientras, aumenta el fundamentalismo en su país, devastado por la guerra entre Iraq e Irán.
Controversia
Un grupo de más de 250 padres del Distrito Escolar de Lake Washington en los Estados Unidos se opuso a contenido obsceno en la película y novela gráfica, y presionaron para interrumpir como parte del plan de estudios. Los programas de estudios Aprobación Comité consideró que "otros objetivos educativos - tales como que los niños no debe estar protegida de lo que el consejo y el personal llamado" inquietante "temas y el contenido - superan la crudeza y la prerrogativa de los padres"

Le fabuleux destin d'Amélie Poulain

Resumen
Al principio una voz en off narra la niñez de Amélie, que creció aislada del resto de los niños por decisión de su padre, debido a su equivocada creencia de que ella sufría problemas cardiacos (equivocado pues cada vez que él le hacía un chequeo médico en casa, el corazón de Amélie se disparaba simplemente por el contacto físico con su padre). Este hecho, junto con el ambiente tenso que imperaba en su casa debido también a la naturaleza inestable y nerviosa de su madre, y sobre todo por la trágica muerte de ésta al caérsele encima una turista suicida que se lanzó al vacío desde lo alto de la iglesia de Notre Dame, lo que agudizó las tendencias antisociales de su padre, hacen que la niña desarrolle una inusual y activa imaginación. Como se cita textualmente en la película, “en tal casa de la muerte, Amélie crece y prefiere soñar hasta que llegue el día de partir”. Amélie cumple 22 años y deja su casa para instalarse en un departamento en Montmartre que se costea trabajando como camarera del "Café des 2 Moulins” (café los 2 molinos). Allí se da a conocer una serie de personajes de lo más excéntricos con los que Amélie interactuará durante toda la película:

Suzanne, la dueña, antigua artista del desnudo, que cojea un poco pero nunca derrama nada, a la que le gusta ver a los atletas que lloran por desilusión y no le gusta que un hombre sea humillado en presencia de su hijo.
Georgette, la vendedora de tabaco hipocondríaca, la cual odia la frase “el fruto de su vientre”.
Gina, camarera como Amélie, cuya abuela era sanadora, y a quien le gusta hacer tronar los huesos de los dedos.
Hipólito, un escritor fracasado, a quien le gusta ver toreros corneados en televisión.
Joseph, el amante rechazado de Gina, quien se pasa espiándola todo el día y a quien sólo le gusta explotar el papel de burbujas.
Philomène, azafata de vuelo, a quien le gusta el ruido producido por el tazón del gato en el azulejo, al cual le gusta oir historias para niños.
Amélie no tiene novio, lo intentó una o dos veces, pero los resultados la desanimaron. En su lugar Amélie ha cultivado un gusto por los pequeños placeres, como: meter la mano en un saco lleno de guisantes, romper la capita de azúcar cristalizado de una crema catalana con una cuchara, verle la cara en la oscuridad en el cine a la gente, lanzar piedras en el canal de San Martín o tratar de adivinar cuántas personas hacen algo en un determinado momento.
Pero el 30 de agosto de 1997 ocurre el evento que cambiará la vida de Amélie. Tras una serie de circunstancias por el shock ocasionado al enterarse por televisión del accidente de Lady Di, descubre tras una losa de su baño el pequeño tesoro guardado por un niño hace cuarenta años. Fascinada por el hallazgo, el 31 de agosto a las 4:00 de la madrugada, tiene una idea espectacular: dondequiera que esté, Amélie encontrará al dueño y le devolverá su tesoro. Si lo conmueve, se convertirá en una vengadora del bien. Si no, pues no.
Con la ayuda de su vecino Raymond (un anciano conocido como “el hombre de vidrio” por la debilidad de sus huesos, que lleva 20 años sin salir de casa y que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Pierre-Auguste Renoir) y tras una larga búsqueda por toda la ciudad, Amélie consigue finalmente localizar al dueño del tesoro y devolvérselo de forma casual tras una estrategia muy original. El dueño no sólo se emociona profundamente al descubrir que toda su infancia estaba en esa cajita, sino que además se plantea mejorar su vida actual.
En ese momento Amélie tiene una sensación de completa armonía y decide volcarse hacia los demás para crearles felicidad en sus vidas.
La tienda del Sr. Collignon, Rue des Trois Frères, París.De esta forma, inventa toda clase de estrategias de lo más originales y conmovedoras para intervenir, sin que se den cuenta, en la existencia de varias personas de su entorno.
Como cuando agarra del brazo a un ciego vagabundo y le da un rápido pero intenso paseo por un mercado mientras le susurra al oído todo lo que ella va viendo, produciendo en el ciego un estado de emoción inmesurable.
Cómo le hace olvidar a Georgette su carácter hipocondríaco y a Joseph su desdichada obsesión por Gina al provocar Amélie una situación de romance de lo más pasional entre ambos.
Cómo se venga del cruel frutero de su barrio quien humilla constantemente a su joven ayudante dejándolo en ridículo delante de todo el mundo.
O como cuando consigue sacar a su vecino Raymond de la obsesión por el cuadro de Renoir mediante el envío anónimo de videos donde se muestran hermosas escenas de lo más curiosas, que producen en el anciano una inmediata necesidad de expandir su mente más allá de lo que había hecho antes.
Y cuando Hipólito vuelve a cobrar ilusión por su literatura al descubrir una de sus estrofas pintada en una pared de la calle: “Sans toi, les émotions d’aujourd’hui ne seraient que la peau morte des emotions d’autrefois” ("Sin ti, las emociones de hoy no serían más que la piel muerta de las emociones de ayer").
Y sobre todo cuando, valiéndose de un gnomo de madera a quien su padre tenía especial cariño, logra que éste por fin decida hacer las maletas y emprender un viaje por el mundo.
Pero mientras todo esto sucede y nadie se preocupa por Amélie, ella se ve forzada de forma involuntaria a examinar y valorar su vida solitaria. Este sentimiento se agudiza especialmente tras conocer a Nino, un chico tan raro y soñador como ella, que trabaja medio día en “el tren del horror” y el otro medio en un sex shop, que colecciona las fotos que la gente va desechando en los fotomatones. Amélie siente fascinación por Nino pero prefiere un encuentro casual a una presentación directa. Lo intenta varias veces sin éxito y acaba dejándolo por imposible. Pero finalmente Raymond, le corresponde con la misma moneda a Amélie, incitándola a buscar lo que había dejado en un segundo plano: su propia felicidad. Así, Amélie, acaba felizmente en los brazos de Nino al que besa de la forma más sutil y complaciente que se pueda imaginar.

Breakfast at Tiffany's

Breakfast at Tiffany's es una película estadounidense de 1961, dirigida por Blake Edwards Protagonizada por Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Martin Balsam, Mickey Rooney, John McGiver. Basada en la novela del mismo título de Truman Capote.
La banda sonora está compuesta por Henry Mancini en la que se encuentra la famosa canción "Moon River", con texto de Johnny Mercer.
Ganadora de dos premios Oscar 1961: a la Mejor banda sonora, y a la Mejor canción.

Argumento
Holly (Audrey Hepburn) es una mujer joven de la moderna clase media de Nueva York, que va de fiesta en fiesta hasta altas horas de la madrugada, buscando un hombre rico que la mantenga. Su mayor interés es Tiffany's, la tienda de joyas de la Quinta Avenida. Sin embargo, dada su escasez de dinero sólo se dedica a juguetear con los hombres, sin querer mantener una vida estable o ni tan siquiera manteniendo su casa.
Paul (George Peppard) es un escritor que sólo ha publicado un libro (ahora, su máquina de escribir ni siquiera tiene tinta). Él tiene una amante (rica y algo mayor que él), que lo mantiene, dándole el dinero que necesita para pagar sus cuentas.
La trama comienza cuando Paul se muda al departamento que está en el piso de arriba del de Holly. Ellos se conocen y se hacen amigos.

Curiosidades
El personaje de Holly (según confesión del propio Truman Capote) se inspiraba en la actriz Carol Grace, por aquel entonces mujer de William Saroyan (después, se casaría con Walter Matthau).
Se ha cuestionado el racismo de la caricatura de un japonés que interpreta Mickey Rooney, situación ausente en la novela original.
Intervención del aristócrata español José Luis de Vilallonga interpretando el papel del millonario brasileño con el que Holly llega a estar prometida (no es la única vez que interviene como actor).
Inicialmente, la película iba a ser protagonizada Marilyn Monroe (por expreso deseo de Truman Capote) y a dirigida por John Frankenheimer. No obstante, el director prefirió darle el papel a Audrey Hepburn en contra de los deseos del escritor. Antes que Audrey Hepburn, Kim Novak se ofreció para dar vida a Holly, pero su oferta fue rechazada.
Tampoco George Peppard fue la primera opción. El papel le llegó de rebote, cuando, por incompatibiliad de fechas, fue rechazado por Steve McQueen, que ya había adquirido otros compromisos.
Originalmente, en la novela, Holly era bisexual, pero al entrar en la producción Audrey Hepburn, este matiz desapareció por completo.
La canción Moon River fue expresamente escrita para Audrey Hepburn, que no tenía nociones de canto y casi la eliminaron de la película. Se mantuvo por el empeño de la actriz.
Audrey Hepburn cobró por su intervención 750 000 dólares, convirtiéndose en la segunda actriz mejor pagada de la época, después de Elizabeth Taylor.
Tiffany´s tuvo que abrir sus puertas en domingo para permitir el rodaje de las escenas ambientadas allí.
La película fue rodada en Technicolor.
En 2007 se subastó el vestido que lucía Audrey Hepburn en la película por nada menos que 467 200 £(unos 700 500 € ), destinando este dinero a dos escuelas en Bengala promoviendo así la iniciativa del escritor Dominique Lapierre.
En 2008, el grupo de música español "La Oreja de Van Gogh" hace un tributo a la película en el estribillo de "Sola", uno de los temas de su disco "A las cinco en el Astoria".

REBELDE SIN CAUSA

Dirección Nicholas Ray
Producción David Weisbart
Guión Stewart Stern
Nicholas Ray (historia)
Irving Shulman (adaptación)
Música Leonard Rosenman
Sonido Stanley Jones
Fotografía Ernest Haller
Montaje William H. Ziegler
Vestuario Moss Mabry
Reparto James Dean
Natalie Wood
Sal Mineo
Dennis Hopper
Jim Backus
Ann Doran
País(es) Estados Unidos
Año 1955
Género Drama
Duración 111 minutos
Compañías

Rebelde sin causa es una película estadounidense de 1955, dirigida por Nicholas Ray, que cuenta la historia de un adolescente rebelde interpretado por James Dean quien viene a un pueblo, conoce una chica interpretada por Natalie Wood, desobedece a sus padres y desafía a los caciques de la preparatoria local. En este filme se intentó retratar la decadencia moral de la juventud estadounidense, criticar el estilo de los progenitores y se explotaron las diferencias generacionales.

Se adoptó el título del libro de 1944 del psiquiatra Robert M. Lindner Rebel Without A Cause: The Hypnoanalysis of a Criminal Psychopath (Rebelde sin causa: El hypnoanálisis de un psicópata criminal, en inglés). El filme mismo, sin embargo, no hace referencia alguna al libro de Linder.

En 1990, Rebelde sin causa fue incluida entre los filmes que preserva el Registro Nacional de Filmes (National Film Registry) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada «cultural, histórica, o estéticamente significativa».

La película se estrenó el 27 de octubre de 1955, casi un mes después del fatal accidente que sufrió James Dean. Este filme estableció la imagen de James Dean como el joven rebelde.

Argumento
Jimmy Stark (James Dean), estudiante de instituto, es un chico particularmente difícil: confuso y desorientado, se ve frecuentemente envuelto en peleas y conflictos, a consecuencia de los cuales su familia,en la cual es el hijo único, se ve obligada a un permanente peregrinaje de una ciudad a otra. Llegado a una nueva localidad, en la que también encontrará nuevos sentimientos hasta entonces desconocidos, el amor de Judy (Natalie Wood; y la amistad admirativa de ‘Platón’ Crawford (Sal Mineo), un muchacho aún más joven que él, no tarda en sostener su enésimo enfrentamiento, aunque, en esta ocasión, las consecuencias serán mucho más terribles...

Pier Paolo Pasolini

(Bolonia, 1922-Roma, 1975) Escritor y director cinematográfico italiano. Estudió en la Universidad de Bolonia e, influenciado por A. Gramsci, intentó sistematizar el hermetismo con el marxismo. Personalidad compleja y provocativa, en su faceta de escritor fue crítico, narrador y poeta, e intentó revalorizar lo popular como vehículo de expresión de la realidad. Son notables los ensayos Sobre la poesía dialectal (1947) y La poesía popular italiana (1960); las antologías Poesía dialectal del siglo XX (1955) y Antología de la poesía popular (1955); sus obras poéticas La mejor juventud (1954), Las cenizas de Gramsci (1957), La religión de mi tiempo (1961) y Poesía en forma de rosa (1961-1964); sus novelas Muchachos de la calle (1955), Una vida violenta (1959) y Mujeres de Roma (1960), y los dramas Orgía (1969) y Calderón (1973).

En 1961 inició su carrera cinematográfica, en la que defendió el lenguaje popular y la investigación abierta y adogmática de la realidad. En sus películas inserta escenas líricas con el más descarnado realismo, lo que convierte su obra en una de las más originales de nuestro tiempo: Accatone (1961), Mamma Roma (1962), El evangelio según san Mateo (1964), Pajarracos y pajaritos (1966), Edipo rey (1967), Teorema (1968), Pocilga (1969), Medea (1970), la Trilogía de la vida (integrada por El Decamerón, 1971; Los cuentos de Canterbury, 1972; Las mil y una noches, 1974) y Salò o los 120 días de Sodoma (1975), que iniciaba una nueva fase de autocrítica que se vio truncada por su muerte tras ser asesinado en trágicas circunstancias.

DOCTOR ZHIVAGO

Un amor para aquellos amantes de la épica. Amor imposible, en plena revolución rusa, protagonizado por un médico poeta y por la más hermosa de las musas... Lara.

Director : Alfred Hitchcock
Producción: Selznick International Pictures
Guión: Robert E. Sherwood y Joan Harrison, según la novela de Daphne du Marier
Música: Franz Waxman
Intérpretes: Laurence Olivier (Maxime de Winter), Joan Fontaine (Sra. de Winter), Judith Anderson (Sra. Danvers), George Sanders (Jack Fawell), Nigel Bruce (Mayor Giles Lacey), Cecil Aubrey Smith (Coronel Julyan)
Duración: 130 minutos, B/N

Tras rodar en 1957 "El puente sobre el río Kwai", a la que le siguió "Lawrence de Arabia" (1962) David Lean emprende tres años después otra de sus grandes producciones con este filme. Estas tres películas con la inclusión de BREVE ENCUENTRO en 1946 constituyen la cima del cine de David Lean. A pesar de haber rodado títulos tan impresionantes todavía tendría fuerzas cinco años después para filmar otra espléndida película, "La hija de Ryan".

La película comienza en la revolución rusa de 1917, muestra la convulsión que produce la guerra y el drama íntimo de un hombre que lucha por sobrevivir. Este hombre es Zhivago, poeta y cirujano, marido y amante; cuya vida trastornada por la guerra afecta a las vidas de otros muchos incluida Tonya, la mujer con la que se casa y Lara la mujer a la que no podrá olvidar.

Doctor Zhivago estuvo nominada en 10 categorías de los Oscars entregados en 1966 correspondientes a las películas estrenadas durante 1965. Obtuvo los Oscars en estas categorías: mejor guión adaptado (Robert Bolt), mejor banda sonora original (Maurice Jarre), mejor vestuario en color (Phyllis Dalton), mejor fotografía (Freddie Young), mejores decorados en color (John Box, Terence Marsh, Dario Simoni).

MEMORIAS DE ÁFRICA

Memorias de África está inspirada en la vida y obra de la autora danesa Isak Dinesen, seudónimo bajo el que se esconde la baronesa, Karen Blixen-Flecke.

País y año: EE.UU. (1985) Género: Drama Duración: 158' Director: Sydney Pollack Reparto: Meryl Streep, Robert Redford, Klaus Maria Brandauer, Michael Kitchen

Por motivos de conveniencia, Karen (Meryl Streep) se ha casado con el barón Bor Blixen-Flecke (Klaus Maria Brandauer). En 1914, el barón se traslada con su mujer a una plantación en Nairobi, luego abandona a Karen a sus propios medios y vuelve a su vida de mujeres y alcohol. Muy pronto, Karen se ha enamorado del atractivo cazador Denys Finch Hatton (Robert Redford), cuyo único problema es que prefiere las relaciones sin compromisos. La baronesa Blixen es una mujer que se enorgullece de su independencia pero se siente infeliz enamorada de un hombre tan despegado y más desdichada aún por tener que vivir una situación que no es más que cliché. Aunque Redford recibió muchas críticas porque su interpretación resulta demasiado americana, ésta es una de las mejores actuaciones de Meryl Streep y el ritmo perfecto de la película resulta destacado por la hermosa fotografía de David Watkin. La cinta fue nominada a 11 premios de la Academia y ganó 7, entre ellos a la Mejor Película, al Mejor Director para Sydney Pollack, al Mejor Guión Adaptado para David Luedtke y a la Mejor Cinematografía para David Watkin.
Curiosidades
Una de las escenas más recordadas por su simbolismo es cuando Denys lava el cabello de Karen, y el agua jabonosa se desliza por el suelo.

La película tiene algunos errores de continuidad, como frutas que aparecen y desaparecen entre toma y toma de un disparo o una manzana que sostiene Denys que se convierte en naranja cuando vuelve el plano a él. El problema con la fruta se repite en la escena de la cena de los enamorados a la luz de la luna, cuando Denys pela una "interminable" naranja que se encuentra intacta cada vez que recupera el plano. También ocurre exactamente igual con una mancha de sangre en la cara de Karen cuando va a disparar a un león, que cambia de mejilla con el cambio de plano.

Incluso hay algún que otro anacronismo, como el uso de baquetas de nylon en la orquesta que ameniza la fiesta de Nochevieja, material que no estaba descubierto a comienzos del siglo XX.