Diego Rivera

Diego Rivera (1886-1957) fue uno de los pintores mexicanos más importantes y un gran artista del siglo XX. Nacido en 1886, en Guanajuato, Rivera estudió estilos artísticos tradicionales europeos en la Academia de San Carlos en el Distrito Federal. Rivera combinó esta formación clásica con la influencia del artista popular José Guadalupe Posada, emergiendo a la edad de dieciséis años como un pintor talentoso con un estilo mexicano bien definido.
"Rivera creía que el arte debía contribuir al proceso de habilitar a las clases trabajadoras para entender sus propias historias."
En 1907, Rivera viajó a España para estudiar las obras de Goya, El Greco y Brueghel en el museo de El Prado de Madrid. Después, se mudó a París y quedó fascinado con el movimiento cubista de vanguardia que había fundado Pablo Picasso. Sin embargo, después de cuatro años dedicado al cubismo, Rivera comenzó a cuestionar este movimiento.
La oportunidad de poner en práctica sus nuevas ideas vino en 1921, con la inauguración de un programa cultural instituido para llevar el arte a las masas. El gobierno mexicano comisionó a José Clemente Orozco, a David Alfaro Siqueiros y a Rivera para pintar una serie de ciclos de frescos para edificios públicos, instigando lo que vino a llamarse el Renacimiento Muralista Mexicano. Estos grandes artistas pintaron sobre las paredes de edificios públicos en todo el país. Sus obras crearon una nueva iconografía que representaba complejos temas sociales y nacionales, motivos religiosos y una perspectiva global pre-hispánica.
La persona pública de Diego Rivera… era tal que el artista se convirtió en un mito durante su propia vida."
- Linda Downs, National Gallery of Art
Cuando la represión política se intensificó en México a finales de la década de 1920, a Rivera lo persuadieron venir a pintar en los Estados Unidos. Durante sus primeros dos encargos en San Francisco, en 1930 y 1931, Rivera y su esposa, la artista Frida Kahlo, encontraron una acogida cálida. Rivera, por consiguiente, se sintió muy complacido de regresar a San Francisco en 1940 para crear el mural de la Unidad Panamericana para su exhibición en la Exposición Internacional de Golden Gate. Esta obra representó la culminación de cientos de murales pintados para el público y también demostró su relación cariñosa con San Francisco.

Además de ser un artista célebre y controversial, Diego Rivera fue un activista político provocativo que incitaba al debate no sólo en México, sino también en los Estados Unidos y en la Unión Soviética. Desde su muerte en 1957, sus centenares de obras de arte público, sus numerosos óleos y acuarelas, y su audacia política han seguido contribuyendo en forma inestimable al desarrollo del arte público en las Américas.

FRIDA KHALO

Kahlo, Frida (1907-1954), pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Hija del fotógrafo judioalemán Guillermo Kahlo, Frida nació en Coyoacán, en el sur de Ciudad de México. A los 16 años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad, resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. Tres años más tarde le llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. En 1929 se casaron.
Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.

Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: Unos cuantos piquetitos (1935, colección Dolores Olmedo), Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) y Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).

Expuso en tres ocasiones. Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta y ensayista surrealista francés André Breton. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México. Un año después murió. El matrimonio Kahlo-Rivera fue miembro del Partido Comunista Mexicano. El día de su entierro, el féretro de Frida fue cubierto con la bandera del partido, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su casa de Coyoacán fue transformada en Museo y lleva su nombre.

LÁGRIMAS DE EROS

Pasión y deseo sexual
El Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid acogen una muestra sobre la evolución del erotismo desde el periodo romántico hasta la actualidad.
Fecha de Inicio: 20/10/2009


Fecha de Finalización: 31/01/2010
Genero: Varios
Horario: de mar. a dom. de 10 a 19 h. Lun. cerr. Taquilla cerrada a las 18.30 h. Días 24 y 31 de dic., hasta las 15 h. Días 25 de dic. y 1 de enero, cerr. / de mar. a dom. de 10 a 20 h. Lun. cerr. Días 24 de dic. y 31 de dic. de 10 a 14 h.
Precio: En el Museo Thyssen-Bornemisza, 8 euros (por Internet, 7 euros); entrada reducida (mayores de 65 años, pensionistas, y estudiantes con acreditación y grupos familiares), 5 euros; entrada gratuita, menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo. En la Fundación Caja Madrid, gratuita.
Local: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

Como ya sucediera la temporada pasada con la antológica La sombra, inspirada en un ensayo del historiador de arte Victor I. Stoichita, una reflexión teórica es el punto de partida del nuevo proyecto expositivo del Museo Thyssen-Bornemisza en colaboración con la Fundación Caja Madrid. Les larmes d'Eros, del escritor, antropólogo y pensador francés Georges Bataille, es la base sobre la que se sostiene la muestra Lágrimas de Eros, que plantea un recorrido por la evolución de la representación de la pasión y el deseo sexual desde el periodo romántico hasta la actualidad.

A partir de la dialéctica prohibición-transgresión y la identificación de lo erótico con el sacrificio religioso, la exposición invita al público a conocer todas las manifestaciones del deseo.
La mirada masculina y la femenina, lo hetero y lo homo, el voyeurismo y el exhibicionismo, el bondage y el sadamasoquismo... Los tormentos de la sensualidad y el lado oscuro del impulso sexual cobran cuerpo a lo largo de 12 áreas temáticas -siete en el Museo y cinco en la Fundación- que exhiben un total de 121 obras, entre pinturas, esculturas, fotografías y vídeos. Cada sección está dedicada a uno de los grandes mitos de Eros. La visita comienza en el Thyssen de la mano de Venus y continúa con distintas representaciones de Eva y la serpiente, esfinges, sirenas, Andrómeda encadenada, el beso, las tentaciones de San Antonio y el martirio de San Esteban.

Ya en la Fundación Caja Madrid, el mito de Apolo y su amante Jacinto retoma el hilo de un discurso que culminan atractivas versiones del sueño de Endimión, el suicidio de Cleopatra, la Magdalena penitente y los "cazadores de cabezas" de las historias de Judith y Holofernes, Salomé y el Bautista, y David y Goliath.

TIEMPO DE PACES

El imperio donde nunca se ponía el sol
La Fundación Carlos de Amberes recuerda la Tregua de los Doce Años con una muestra que reúne 75 obras de artistas flamencos y españoles.


Fecha de Inicio: 27/10/2009
Fecha de Finalización: 31/01/2010
Genero: Varios
Horario: de M a V de 10 a 20.30 h. S de 11 a 14 h. y de 17.30 a 20.30 h. D y fest. de 11 a 14.30 h. L cerr.
Precio: entrada gratuita.
Local: Fundación Carlos de Amberes
En 2009 se cumple el cuarto centenario de la firma en Amberes de la Tregua de los Doce Años (1609-1621), que puso un momentáneo punto final al conflicto que enfrentaba a España con las provincias de los Países Bajos desde 1568. Para celebrarlo, y como anticipo del gesto conciliador que supone la presidencia europea de España y Bélgica en 2010, la Fundación Carlos de Amberes expone en su sede principal la muestra Tiempo de Paces, La Pax Hispánica y la Tregua de los Doce Años, que reúne 75 obras de arte, entre lienzos, grabados, documentos y objetos, procedentes de instituciones como el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, el Museo Nacional del Prado, Patrimono Nacional y el Louvre.

Las piezas seleccionadas están distribuidas en tres áreas que trazan un exhaustivo recorrido por uno de los períodos más apasionantes e intensos de la historia europea, ya que a la paz en territorio flamenco se sumaron sendas treguas del imperio español con Francia e Inglaterra, abriendo la puerta a una época de estabilidad en la que la paz y la tolerancia fueron los objetivos primordiales de los reinados de Felipe III, Enrique IV y Jacobo I Estuardo.
La visita comienza con el lienzo Minerva desarmada por Venus, de autoría anónima, que conmemora la Paz de Cateau-Cambrésis (1559), por la que las provincias de los Países Bajos quedaron integradas en la monarquía católica de Felipe II. Es la primera parada de un viaje temporal por más de seis décadas, hasta el fin de la Tregua en 1621, en el que el visitante es testigo de los acontecimientos más importantes de este enfrentamiento a través de obras de artistas como Jan Brueghel "el viejo", Claes Jansz, Frans Pourbus o Juan Pantoja de la Cruz.

JUAN BAUTISTA MAÍNO (1581 - 1649)

Un maestro (casi) desconocido
El Museo del Prado recupera la figura de Juan Bautista Maíno, pintor poco conocido entre el gran público y, al mismo tiempo, figura clave del primer tercio del XVII.


Fecha de Inicio: 20/10/2009
Fecha de Finalización: 31/01/2010
Genero: Pintura
Horario: de martes a domingo y festivos, de 9 a 20 h. Días 24 de diciembre, 31 de diciembre y 6 de enero, de 9 a 14 h. Cerrado todos los lunes (incluidos los lunes festivos), 1 de enero, 1 de mayo, 25 de diciembre y Viernes Santo.
Precio: Entrada: 8 euros. Con carné joven o de estudiante: 4 euros. Entrada gratuita: de M a S de 18 a 20 h. y D de 17 a 20 h.; menores de edad y jubilados, todos los días. Venta ant. (7 euros) y reserva de hora en el tel. 902 107 077 o en www.museodelprado.es


Tras el éxito fulgurante de la antológica sobre Joaquín Sorolla, el Museo del Prado arranca la temporada 2009-2010 con una cuidada exposición monográfica dedicada a Juan Bautista Maíno (1581-1649), uno de los artistas más desconocidos para el gran público de la pintura española de la primera mitad del siglo XVII. La muestra presenta casi toda la producción conocida del autor -37 obras- más una selección de 26 pinturas de otros artistas españoles e italianos de la época, entre ellos Velázquez y Caravaggio, que ayudan a contextualizar sus composiciones.

De las casi 40 obras de Maíno, siete son atribuciones recientes que podrán verse por primera vez en la muestra. También hay algunas pinturas que sólo se conocían por reproducciones fotográficas y otras que han sido exhibidas en muy pocas ocasiones y que en ningún caso habían sido puestas en relacion con el conjunto de la obra del artista. Entre sus trabajos más memorables destacan San Pedro Arrepentido, procedente de la galería Barbié de Barcelona; Magdalena Penitente, de una colección particular suiza; Santo Domingo en Soriano, del Museo del Ermitage de San Petersburgo, o las diez pinturas que conforman su obra maestra, el Retablo de San Pedro Mártir, proveniente del antiguo Museo de la Trinidad de Toledo y hoy parte de las colecciones del Prado. Los cuatro lienzos de gran tamaño que constituyen la parte más destacada de esta producción, y entre los que brillan la Adoración de los Magos y la Adoración de los pastores, son obras fundamentales de la mejor pintura española del siglo XVII.
El resto de la exposición, que da cuenta de la formación en Roma del artista y de su amistad con otros autores españoles contemporáneos, está compuesta por obras del Greco, Tristán, Orrente, Núñez del Valle, Gentileschi, Reni, Saraceni, Cavarozzi, Elsheimer o los ya mencionados Velázquez y Caravaggio.

10 FRASES SOBRE EL CINE

Soy una gran aficionada al cine. Se podría decir que soy toda una cinéfila. Habré visto innumerables películas y todavía me quedan por ver muchas más. Os dejo diez curiosas e interesantes frases sobre el mundo del cine:
1. Alfred Hitchock: "Para mí, el cine son 400 butacas que llenar"

2. Howard Hanks: "Tengo diez mandamientos. Los nueve primeros dicen:¡No debes aburrir!

3. Orson Welles: "El cine es un cinta de sueños"

4. Federico Fellini: "Un buen vino es como una buena película: dura un instante y te deja en la boca un sabor a gloria; es nuevo en cada sorbo y, como ocurre con las películas, nace y renace en cada saboreador"

5. Pedro Ruiz: "Lo bueno del cine es que durante dos horas los problemas son de otros"

6. Charles Chaplin: "Mi método para encontrar el argumento de una película es sencillo. Consiste en meter a la gente en apuros y hacerla salir de ellos"

7. Michael Caine: "En una película, no hay que actuar sino reaccionar"

8. Billy Wilder: "“Lo más importante es tener un buen guión. Los cineastas no son alquimistas. No se pueden convertir los excrementos de gallina en chocolate”

9. Woddy Allen: "En el cine, si no te equivocas de vez en cuando, es que no lo intentas”

10. Stanley Kubrick: "Una película es (o debería ser) como la música. Debe ser una progresión de ánimos y sentimientos. El tema viene detrás de la emoción, el sentido, después"

Una de las cosas que más he de agradecer a mis padres es la educación que nos han dado y que no se limita sólo a la parte escolar.En esa educación y debido a varios factores:por un lado el hecho de ser italo- española y por otro por la profesión de mi padre(jefe de máquinas de un petrolero)hemos tenido la gran suerte de poder viajar mucho.

En este apartado del blog iré colgando alguno de los múltiples sitios alrededor del mundo donde he vivido o he pasado largas temporadas.

Espero que sea una forma de aumentar la curiosidad de muchos para viajar a veces a sitios conocidos pero en otras a sitios más recónditos.

"AGORA", UNA GRAN PELICULA SOBRE HIPATIA

Hoy en clase hemos hablado de la Ágora y que mejor que un ejemplo práctico de lo que en parte ahí se hacía que la última peli de Amenábar.
Alejandro Amenábar ha vuelto a rodar una magnífica película. "Agora" supone una excelente recreación de la vida de Hipatia, una filósofa, una matemática y una astrónoma, que brilló en la Alejandría, sita en el norte de Egipto. Su obra y su vida es un referente para todos.

La película nos sumerge a finales del siglo IV y principios del V, en el Egipto bajo el Imperio Romano. Las violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría alcanzan a su legendaria Biblioteca. Atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hipatia lucha por salvar la sabiduría del Mundo Antiguo con la ayuda de sus discípulos. Entre ellos, los dos hombres que se disputan su corazón: Orestes y el joven esclavo Davo que se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos.

Y no cuento más que sino os desvelo las sorpresas y las intrigas de "Agora". Os recomiendo verla y disfrutar. Se trata de una película inteligente, bien hecha, profunda y con sublimes interpretaciones, sobre todo, Rachel Weisz quien lo borda como Hipatia. Además, la banda sonora alcanza altas cotas así como la recreación de la Alejandría de la época.

Link de la película:

http://www.agoralapelicula.com/

Las transformaciones del sombrero pintado

LA PINTADA, Coclé. -Las manos de los artesanos de La Pintada, en la provincia de Coclé, continúan expandiendo la tradición de confeccionar sombreros pintados para todo el país.
Pese a que los creadores de esta pieza folclórica -reconocida a nivel mundial- no han cambiado el antiguo patrón de confección, ahora son los creadores de nuevos y vistosos estilos que se combinan con piezas de vestir para engalanar a quienes los usan.

Los artesanos se inspiraron en el viejo patrón que se vale del arte del tejido en fibra vegetal o la crineja.

En el mercado local existe un total de 12 nuevos estilos de sombreros que se confeccionan únicamente en la región de La Pintada, al norte de la provincia de Coclé.

Reinaldo Quirós, creador junto a su familia y propietario de la tienda de Artesanías Quirós en La Pintada, relata que los nuevos sombreros tienen una buena aceptación entre los turistas locales y extranjeros que visitan su local ubicado en la avenida central de La Pintada.

Para su confección se utiliza la misma técnica y los mismos materiales (fibra vegetal de bellota, junco y pita), solo que los nuevos sombreros llevan una combinación de las pintas y del talco que los hacen muy llamativos por sus intensos colores.

Son del mismo tamaño que los tradicionales y se hacen a la medida también.

De acuerdo a sus creadores, se tata de un proyecto que nació a principios de 1990 en el seno de la familia con la experiencia de Didasio Quirós (padre) y al que llamaron “Rescate de las pintas y talco para crear nuevos estilos”.

El estrecho uso combinado entre la pinta y el talco y la cantidad de vueltas que lleva el sombrero (10 en adelante) es la diferencia entre los demás estilos tradicionales.

Los nuevos estilos
Según la familia Quirós, los hay en estilo reata en talco, reata con cordón negro y blanco, quimbol negro con vueltas blancas, sombrero de pinta corcovina con vueltas negras, mosquito con vueltas negras y blancas, mosquito con talco plumilla, mosquito con talco cajón, mosquito con talco pilón, y cola de sardinas con vueltas negras.

Todos son de 10 vueltas y sus precios oscilan entre 50 y 80 dólares.

Quines hacen estos sombreros es gente curiosa y que tiene creatividad porque no es cualquier persona que confecciona estas pintoresca obras de arte tradicional dice Teofila López artesana también del área de La Pintada.

El uso
Se puede utilizar como prenda de vestir en una ocasión de gala y del día a día, ya que no trastoca la costumbre o el patrón folclórico del uso del sombrero tradicional.

En la región interiorana se dan muchas festividades folclóricas que fortalecen las costumbres de los pueblos y esta pieza puede también ser llevada con un vestido que tenga como alternación camisillas de colores sobre todo en los varones.

La nueva variedad de sombreros se ha expandido en el mercado local.

Una de las presentaciones exitosas fue la que tuvo en la reciente Feria Nacional de Artesanías que se realizó en el Centro de Atlapa, en el mes de agosto.

El sitio ideal parA adquirir una de estas piezas es en La Pintada, un lugar que se llega por calle asfaltada y a solo 15 minutos en vehículo desde la ciudad de Penonomé.

I tortellini della mamma...

Una de las cosas más características de Bologna son los tortellini, si además están hechos a mano, no os podeis imaginar que placer.

O malo de espertar ó día a día é que o que onte foi maxia hoxe é só un recordo. Doce lembranza dun luscofusco de música no que en cada rostro só vía complicidades amigas. Noite máxica á que non quixera ter que engadir irrepetible como adxectivo. Doce recordo que se torna agrio a medida que implacablemente se suceden os segundos.

PD: Esta mañá matei á beleza a escobazos*.

* Lo malo de despertar al día a día es que lo que ayer fue magia hoy es sólo recuerdo. Dulce recuerdo de un anochecer de música en la que en cada rostro sólo veía complicidades amigas. Noche mágica a la que no quisiera tener que añadir irrepetible como adjetivo. Dulce recuerdo que se torna agrio a medida que implacablemente se suceden los segundos.

PD: Esta mañana maté a la belleza a escobazos.